- Ποια είναι η προέλευση και η ιστορία του θεάτρου;
- Η ελληνική καταγωγή του θεάτρου
- Η προέλευση του μη δυτικού θεάτρου
- Λειτουργικό δράμα και μεσαιωνικό θέατρο
- Η άνθηση του ιαπωνικού θεάτρου
- Αναγεννησιακό θέατρο και η commedia dell'arte
- Η είσοδος στη νεωτερικότητα
- 20ος αιώνας και σύγχρονος
Εξηγούμε την προέλευση και την ιστορία του θεάτρου σε διάφορα μέρη του κόσμου, από την αρχαιότητα μέχρι σήμερα.
Ποια είναι η προέλευση και η ιστορία του θεάτρου;
ο θέατρο, το καλλιτεχνικό είδος στο οποίο η βιβλιογραφία (δραματουργίας) και το τέχνες του θεάματος (θεατρική παράσταση), είναι μια από τις παλαιότερες μορφές καλλιτεχνικής έκφρασης στην ιστορία. ανθρωπότητα.
Αν και η προέλευσή του συνήθως ανάγεται στο Αρχαιότητα κλασικό της Δύσης, η αλήθεια είναι ότι σχεδόν όλα τα αρχαίοι πολιτισμοί είχαν κάποια μορφή θεάτρου ή παρόμοιο θέαμα, με το οποίο εκπαίδευαν τους νέους τους, προσεύχονταν στους θεούς ή θυμήθηκε τους μύθους θεμελιώδης.
Ωστόσο, οι πρώτοι που κατάλαβαν το θέατρο ως μορφή τέχνης από μόνο του, δηλαδή ως «δραματική τέχνη», ήταν οι αρχαίοι Έλληνες του 6ου με 4ου αιώνα π.Χ. ντο.
Οι αρχαίοι Έλληνες γιόρταζαν ορισμένους τελετουργίες θρησκευτικό προς τιμήν του Διόνυσου, θεού του κρασιού και της γονιμότητας, γνωστού ως bacchanalia. Σε αυτα τελετουργίες ο χορός και οι καταστάσεις έκστασης ήταν φυσιολογικές, αλλά και μια ορισμένη αφήγηση και σκηνοθεσία των ιδρυτικών μύθων, και το τελευταίο ήταν που έδωσε την αφορμή για το θέατρο.
Η ελληνική καταγωγή του θεάτρου
Ξεκίνησε τον 6ο αιώνα π.Χ. Χ. χάρη σε έναν ιερέα του Διονύσου, τον Θέσπη, ο οποίος εισήγαγε μια σημαντική τροποποίηση στις τελετουργίες: α. διάλογος που κρατούσε με τη χορωδία σε κάθε φεστιβάλ.
Έτσι ο Θέσπης έγινε ο πρώτος ηθοποιός του θεάτρου. Μάλιστα, σύμφωνα με χρονικά του ΙΙΙ αι. Γ. Ήταν ο ίδιος ο Θέσπης που κέρδισε τον πρώτο θεατρικό διαγωνισμό στην Ελλάδα, που έγινε στην Αθήνα το 534 π.Χ. ντο.
Έκτοτε, οι θεατρικοί αγώνες έγιναν πολύ συνηθισμένοι στα φεστιβάλ προς τιμήν του Διονύσου, που διαρκούσαν τέσσερις ολόκληρες μέρες και χρησιμοποιούσαν διαχωριστικά ξύλινα κατασκευάσματα για την ορχήστρα, το κοινό και τη σκηνή γύρω από το άγαλμα του Διονύσου.
Σε όλο τον 5ο και 4ο αιώνα π.Χ. Γ. το ελληνικό θέατρο άκμασε και ανεξαρτητοποιήθηκε από το λατρεία θρησκευτικός. Ωστόσο, συνέχισε να είναι ένας μηχανισμός της ελληνικής κοινωνίας για την εκπαίδευση των νέων της στο θρησκεία, ο μυθολογία και κλασικές αστικές αξίες.
Εκείνη την εποχή εμφανίστηκαν οι τρεις μεγάλοι Έλληνες θεατρικοί συγγραφείς: ο Αισχύλος (525-456 π.Χ.), ο Σοφοκλής (496-406 π.Χ.) και ο Ευριπίδης (484-406 π.Χ.), συγγραφείς ενός εκτενούς θεατρικού έργου τραγικού που πραγματευόταν τους μεγάλους ελληνικούς μύθους. Μαζί τους πολλαπλασιάστηκαν μεγάλοι Έλληνες κωμικοί όπως ο Αριστοφάνης (444-385 π.Χ.).
Το θέατρο ήταν τόσο σημαντικό στον ελληνικό πολιτισμό που ο φιλόσοφος Αριστοτέλης (384-322 π.Χ.) εμπνεύστηκε από αυτούς για να γράψει την πρώτη πραγματεία για τη δραματική τέχνη στην ιστορία της ανθρωπότητας: Ποιητική από το 335 π.Χ ντο.
Με τον ίδιο τρόπο, ήταν τόσο σημαντικό για την περιοχή της Μεσογείου της εποχής, που ο ρωμαϊκός πολιτισμός το πήρε ως πρότυπο και έμπνευση για να αναπτύξει το δικό του θέατρο μεταξύ 2ου και 3ου αιώνα π.Χ. Γ. Έτσι αναδείχθηκαν συγγραφείς τόσο φήμης όπως ο Πλαύτος (254-184 π.Χ.) και ο Τέρενς (185-159 π.Χ.), των οποίων παίζει ήταν μέρος ενός πολύ μεγαλύτερου γεγονότος του ρωμαϊκού πολιτισμού: των Ρωμαϊκών Αγώνων προς τιμήν των θεών.
Οι Ρωμαίοι ενσωμάτωσαν επίσης την ελληνική δραματουργική κληρονομιά στον πολιτισμό τους, διατηρώντας τη στα λατινικά για πολύ μεταγενέστερους αναγνώστες.
Η προέλευση του μη δυτικού θεάτρου
Υπήρχαν επίσης, στην αρχαιότητα, πλούσιες θεατρικές παραδόσεις στην Ανατολή του κόσμου, ιδιαίτερα στον αρχαίο πολιτισμό της Ινδίας. Το θέατρο της Ινδίας αναπτύχθηκε από θρησκευτικούς και τελετουργικούς χορούς.
Το θέατρο αυτό απέκτησε επίσημη μελέτη γύρω στον 4ο και 2ο αιώνα π.Χ.Γ., κρίνοντας από αυτό που το Νάτια-σάστρα, μια αρχαία ινδουιστική πραγματεία για το χορό, το τραγούδι και το δράμα, που αποδίδεται στον μουσικολόγο Bharata Muni (αβέβαιες ημερομηνίες). Αυτό το έργο μελετά, ιδιαίτερα, το ινδικό κλασικό θέατρο, την κορύφωση της σανσκριτικής λογοτεχνίας.
Σε αυτό το είδος Δράμα ως ήρωας εμφανίστηκαν πολύ στερεότυπες φιγούρες (nayaka), η ηρωίδα (νάγιικα) ή ο κλόουν (vidusaka), εν μέσω μυθολογικών και θρησκευτικών ιστοριών για την καταγωγή των θεών. Η παράσταση περιελάμβανε περισσότερο από οτιδήποτε άλλο τον χορό και τους διαλόγους των ηθοποιών, ντυμένων και μακιγιαρμένων, αλλά χωρίς σκηνή ή διακοσμήσεις.
Το ινδικό θέατρο ασκήθηκε σχεδόν χωρίς διακοπή ή αλλαγή για μεγάλο χρονικό διάστημα, φτάνοντας στην ακμή του μεταξύ του 3ου και του 5ου αιώνα μ.Χ. Δύο από τους μεγάλους δραματουργούς αυτής της παράδοσης ήταν ο Σούντρακα (3ος αιώνας μ.Χ.) και ο Καλίντασα (4ος-5ος αι. μ.Χ.), ο τελευταίος συγγραφέας θεατρικών έργων μεγάλης αγάπης.
Μια άλλη σημαντική μη δυτική παράδοση, το θέατρο της Κίνας, ξεκίνησε γύρω στον 6ο αιώνα π.Χ. Γ. Αποτελούνταν κυρίως από χορούς, ακροβατικά, μίμους και τελετουργικές πράξεις χωρίς καθορισμένο είδος.
Οι ηθοποιοί, όλοι άντρες, θα μπορούσαν να παίξουν διαφορετικούς τύπους στερεοτυπικών ρόλων, είτε άντρες (sheng), θηλυκός (Έτσι), κόμικς (chou) ή πολεμιστές (τσινγκ). Σε πολλές περιπτώσεις χρησιμοποιήθηκαν μάσκες και μακιγιάζ.
Η κινεζική παράδοση ενέπνευσε παρόμοιες εκδοχές στην Ιαπωνία και σε άλλα έθνη της Νοτιοανατολικής Ασίας, τα οποία άκμασαν τους επόμενους αιώνες και δεν ήταν γνωστά στη Δύση σχεδόν μέχρι τον δέκατο ένατο αιώνα.
Λειτουργικό δράμα και μεσαιωνικό θέατρο
Μετά την πτώση του Ρωμαϊκή αυτοκρατορία, το θέατρο στη Δύση έχασε την παλιά του λαϊκή και θρησκευτική συνάφεια: αυτό συμβαίνει γιατί το χριστιανισμός απέρριψε την κληρονομιά ειδωλολατρικός του Ευρώπη και έκανε ό,τι ήταν δυνατόν για να διακριθεί και να αποστασιοποιηθεί από αυτή την παράδοση. Ωστόσο, μέχρι τον 10ο αιώνα, η χριστιανική λειτουργία και ο εορτασμός του Πάσχα ήταν κεντρικά γεγονότα του χριστιανικού πολιτισμού και γίνονταν με μεγάλη μεγαλοπρέπεια και σκηνικά.
Έτσι, στο Μεσαίωνας προέκυψε ένα λειτουργικό θέατρο, το οποίο αναπαρήγαγε τις σημαντικότερες σκηνές της χριστιανικής μυθολογίας, όπως η επίσκεψη της Μαρίας Μαγδαληνής στον τάφο του Ιησού Χριστού. Με αυτό γεννήθηκε μια πλούσια παράδοση της μεταγενέστερης χριστιανικής δραματουργίας.
Γύρω στον ενδέκατο και δωδέκατο αιώνα, πολλά γαλλικά μοναστήρια άρχισαν να σκηνοθετούν βιβλικές ιστορίες σε μια εξέδρα έξω από το ναό, εγκαταλείποντας επίσης τη λατινική λατρεία για να χρησιμοποιήσουν δημόσιες γλώσσες, πιο κοντά στους ανθρώπους. Η σκηνοθεσία της Γένεσης ή της Αποκάλυψης ή οι βασανισμένες ζωές αγίων, όπως της Αγίας Απολλωνίας ή της Αγίας Δωροθέας, ήταν συνηθισμένες.
Καθώς αυτές οι θεατρικές πράξεις αποκτούσαν πολυπλοκότητα, άρχισαν να εκτίθενται σε πλωτήρες ή κινητές σκηνές, για να μεταφέρουν τη λειτουργία και την εκκλησιαστική ιστορία στις διάφορες γωνιές της χώρας. Αυτό ήταν ιδιαίτερα δημοφιλές στην Ισπανία, και έγιναν γνωστά με το όνομα του Μυστηριακά αυτοκίνητα, δηλαδή δράματα της Θείας Ευχαριστίας.
Παρόμοια γεγονότα έλαβαν χώρα στην Αγγλία εκείνη την εποχή, ιδιαίτερα κατά τη διάρκεια του Corpus Christi, και έγιναν δημοφιλείς μορφές θεάτρου, κοινές σε όλη την Ευρώπη μέχρι τον 16ο αιώνα.
Από τότε, αναδείχθηκαν οι κύριοι επικριτές του: οι Προτεστάντες πουριτανοί που καταδίκασαν το κυρίαρχο χιούμορ και την τόλμη στις αναπαραστάσεις του, και ουμανιστές Αναγέννηση που έβλεπε με άσχημα μάτια τους ελαφρότητα και τη σύνδεσή του με μια ορισμένη μεσαιωνική παράδοση από την οποία προσπάθησαν να απομακρυνθούν.
Κατά συνέπεια, πολλά από αυτά τα έργα απαγορεύτηκαν στο Παρίσι και στις χώρες της προτεσταντικής Ευρώπης, ενώ άκμασαν στην Ευρώπη της Αντιμεταρρύθμισης, κυρίως στην Ισπανία. μεγάλοι συγγραφείς του μπαρόκ Ισπανοί όπως ο Lope de Vega (1562-1635), ο Tirso de Molina (1583-1648) και ο Calderón de la Barca (1600-1681) θεωρούνται από τους μεγαλύτερους συγγραφείς της μυστηριακής πράξης.
Η άνθηση του ιαπωνικού θεάτρου
Εν τω μεταξύ, στην Ιαπωνία του 14ου αιώνα, αποκρυσταλλώθηκε μια κουλτούρα παραστατικών. Κληρονόμος των σιντοϊστικών χορών και των βουδιστικών τελετουργιών, τόσο δικών τους όσο και αντιγραμμένων από την Κίνα και άλλα ασιατικά έθνη, το ιαπωνικό θέατρο έκανε τα πιο σημαντικά του βήματα.
Από τότε, τρεις μεγάλες τάσεις έκαναν τα πρώτα τους βήματα:
- Το εκλεπτυσμένο λυρικό δράμα του θεάτρου noh και kyogen.
- Το λογοτεχνικό κουκλοθέατρο Bunraku.
- Αργότερα, το θέατρο καμπούκι, το δραματικό θέαμα της αστικής τάξης.
Το θέατρο Noh εμφανίστηκε στο Κιότο γύρω στο 1374, υπό την κηδεμονία του σογκούν Yoshimitsu, ξεκινώντας μια σημαντική παράδοση θεατρικής υποστήριξης από Ιάπωνες φεουδάρχες.
Τα περισσότερα έργα αυτού του στυλ, που ερμηνεύτηκαν με απέραντη χάρη και φινέτσα από άνδρες ηθοποιούς με τη συνοδεία μιας μικρής χορωδίας, γράφτηκαν τις επόμενες δεκαετίες από τον Kanami Motokiyo, τον γιο του Zeami Motokiyo και αργότερα τον γαμπρό του τελευταίου. Zenchiku. Λίγα νέα έργα έχουν γραφτεί για το θέατρο Noh από τον 15ο αιώνα.
Ίσως γι' αυτό, προς τον 16ο αιώνα, το ιαπωνικό θεατρικό πανόραμα παρουσίαζε μια ορισμένη παρακμή. Σε αυτό πρέπει να προστεθεί η απαγόρευση του 1629 για όλες τις θεατρικές παραστάσεις με πρωταγωνίστριες γυναίκες, αφού οι παρουσιάσεις της ιέρειας Σιντοϊσμού Ο-Κούνι προκάλεσαν σάλο στο κοινό στο Κιότο.
Γι' αυτό, στις αρχές του 17ου αιώνα, ένα νέο ιαπωνικό θέατρο εμφανίστηκε για να καλύψει το κενό, αντανακλώντας τις νέες αστικές ευαισθησίες της εποχής: το Kabuki, ένα επιτυχημένο καφενείο, που χρησιμοποιούσε πολυτελή σκηνικά και περίτεχνα κοστούμια, τα έργα του οποίου προήλθε από τη λογοτεχνική παράδοση και το κουκλοθέατρο.
Αναγεννησιακό θέατρο και η commedia dell'arte
Όπως και σε πολλά άλλα τέχνη και γνώση, η αναγέννηση Ευρωπαϊκός σημείωσε ένα πριν και το μετά στο θέατρο και τη δραματουργία. Τα έργα έγιναν πιο φυσικά, απογύμνωσαν τη θρησκευτική τους υποχρέωση και διέσωσαν τη θεωρητική κληρονομιά του Αριστοτέλη, καθώς και τους αρχαίους μύθους και τα κλασικά σύμβολα.
Ο θρίαμβος του αστική τάξη καθώς η νέα κυρίαρχη κοινωνική τάξη καθόρισε μια αλλαγή στις θεατρικές ευαισθησίες και σύντομα παρατηρήθηκε η γέννηση νέων ειδών και νέων στυλ, όπως το ισπανικό μπαρόκ θέατρο και το αγγλικό ελισαβετιανό θέατρο, στην παράδοση του οποίου εμφανίστηκαν μεγάλα ονόματα όπως ο Miguel de Cervantes και ο William. Σαίξπηρ.
Ωστόσο, η πιο σημαντική από τις νέες μορφές θεάτρου ήταν η ιταλική Commedia dell'Arte, η οποία εμφανίστηκε γύρω στο 1545 ως μια μορφή δρόμου και λαϊκού θεάτρου, αλλά παιζόταν από επαγγελματίες ηθοποιούς. Πολλές από τις θεατρικές ομάδες ήταν πλανόδιοι, μετακινούνταν από πόλη σε πόλη και έστηναν αυτοσχέδιες σκηνές.
Εκεί αντιπροσώπευαν κομμάτια από κωμωδία φυσικούς, θεατρικούς αυτοσχεδιασμούς και δικά τους κομμάτια των οποίων χαρακτήρες ήταν εύκολα και γρήγορα αναγνωρίσιμα, αφού φορούσαν πάντα τις ίδιες μάσκες. Για παράδειγμα, παντελόνι ήταν ένας πομπώδης και κακοδιάθετος γέρος που του έκαναν αστεία και φάρσες, ενώ Harlecchino ήταν ο αστειευόμενος και τολμηρός υπηρέτης, και Pulcinelli ήταν ο καμπουριασμένος ειδικός στον ξυλοδαρμό.
Από τότε, νέες μορφές θεατρικού θεάματος άρχισαν να γίνονται δημοφιλείς σε μια Ευρώπη που εκτιμούσε όλο και περισσότερο τη δραματουργία. ο ιλαροτραγωδία έγινε δημοφιλές είδος, ένα είδος ενδιάμεσου κρίκου μεταξύ της κωμωδίας και τραγωδία. Η όπερα εμφανίστηκε επίσης τον 17ο αιώνα και το λεγόμενο «ιταλικό στυλ» του θεάτρου εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη.
Στο ίδιο πλαίσιο, το γαλλικό θέατρο γνώρισε σημαντική άνθηση, στα χέρια διάσημων θεατρικών συγγραφέων όπως ο Pierre Corneille (1606-1684) και ο Jean Racine (1639-1699), σπουδαίοι συγγραφείς τραγωδιών, και ιδιαίτερα ο Jean-Baptiste Poquelin, καλύτερα. γνωστός ως Μολιέρος (1622-1673), ηθοποιός και συγγραφέας κωμωδιών, φαρσών, τραγικωμωδιών και μερικών από τα πιο διάσημα έργα στη γαλλική γλώσσα.
Η είσοδος στη νεωτερικότητα
Η επόμενη μεγάλη αλλαγή στη δυτική θεατρική παράδοση ήρθε με το Ρομαντισμός Γερμανικά ειδικά Sturm und Drang στο δεύτερο μισό του δέκατου όγδοου αιώνα.
Όπως και στις υπόλοιπες τέχνες, ο θεατρικός ρομαντισμός έδωσε έμφαση στον συναισθηματισμό και το δράμα ενάντια στον ορθολογισμό που προέκυψε με την Απεικόνιση Γαλλική γλώσσα. Προτιμούσε σκοτεινά, μυστηριώδη θέματα, ειδικά αυτά από τη λαϊκή κουλτούρα και τη λαογραφία.
Η κληρονομιά που άφησαν συγγραφείς όπως ο Wolfgang von Goethe (1749-1832) και ο Friedrich Schiller (1759-1805), με σπουδαία δραματικά έργα όπως ο Faust ή ο William Tell στις αρχές του 19ου αιώνα, ήταν η έμπνευση για τη γέννηση ενός νέο είδος: το μελόδραμα, το οποίο ενσωμάτωσε μουσική για να τονίσει τα συναισθήματα των χαρακτήρων.
Από το χέρι του εθνικισμός Ευρωπαϊκό, αυτό το νέο ύφος επικράτησε σχεδόν σε όλες τις χώρες και παρήγαγε διάσημα έργα και συγγραφείς όπως ο Georg Büchner, ο Victor Hugo, ο José Zorrilla και πολλοί άλλοι.
Ωστόσο, η ίδρυση του σύγχρονου θεάτρου, σωστά μιλώντας, έλαβε χώρα τον 19ο αιώνα, με την ίδρυση του ρεαλιστικού θεάτρου, τον θρίαμβο του ορθολογισμού έναντι των ρομαντικών. Ο ρεαλισμός τόνισε την ανάγκη για ένα νατουραλιστικό θέατρο: σκηνικά παρόμοια με αληθινά, απίστευτες παραστάσεις και απογυμνωμένα από μεγαλειώδεις λεξικές ή χειρονομίες.
Όπως ήταν αναμενόμενο, ο ρεαλισμός γεννήθηκε στη Γαλλία, το λίκνο του Διαφωτισμού.Ωστόσο, έφτασε στο εκφραστικό της αποκορύφωμα στη γραφίδα σκανδιναβικών συγγραφέων όπως ο Σουηδός August Strindberg (1849-1912) και ο Νορβηγός Henrik Ibsen (1828-1906), ή ακόμα και με τον επίσης εξέχοντα Ρώσο διηγηματογράφο Anton Chekhov (1860- 1904).
20ος αιώνας και σύγχρονος
Η άφιξη του ταραχώδους 20ού αιώνα έφερε μαζί του και το πρωτοπορίες, μια αδιάκοπη πηγή του καινοτομία τυπική και αισθητική που γέννησε πολλές θεατρικές σχολές στην Ευρώπη και την Αμερική.
Γενικά, η πρωτοπορία αναζήτησε μεγαλύτερη ένταση και ψυχολογικό βάθος στους χαρακτήρες τους, εγκαταλείποντας τις τρεις κλασικές αριστοτελικές ενότητες και συχνά ασπαζόταν την καταγγελία και την πολιτική μαχητικότητα. Επιπλέον, χάρη σε αυτούς, ο ρόλος του σκηνοθέτη του θεάτρου κέρδισε εξέχουσα θέση έναντι των ηθοποιών. ρόλος συγκρίσιμος με τον σκηνοθέτη.
Τα πρωτοποριακά θεατρικά κινήματα είναι πάρα πολλά για να τα απαριθμήσουμε στο σύνολό τους, αλλά αξίζει να σημειωθεί εξπρεσιονισμός, το «επικό θέατρο» του Μπέρτολντ Μπρεχτ, το θέατρο του παραλόγου που συνδέεται με τη φιλοσοφία του υπαρξισμός και τα έργα των Antonin Artaud, Eugène Ionesco και Samuel Beckett.
Επιπλέον, ο αντικομφορμισμός και το αντιαστικό αίσθημα των Θυμωμένοι νέοι άνδρες: Harold Pinter, John Osbourne και Arnold Wesker. Άλλα σπουδαία ονόματα της εποχής ήταν μεταξύ άλλων οι Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán.
Από το 1960, το σύγχρονο θέατρο προσπαθεί να επανασυνδεθεί με τα συναισθήματα του θεατή, απομακρύνοντας το επικό θέατρο και τα πολιτικά μηνύματα. Υπάρχουν πολλές θεατρικές πτυχές που επιδιώκουν να απομακρυνθούν από τη σκηνή και να μεταφέρουν το θέατρο στο δρόμο, ή να ενσωματώσουν το κοινό στη σκηνή ή ακόμα και να καταφύγουν σε συμβαίνει ή αυτοσχέδιο θέατρο καταστάσεων στην πραγματική ζωή.